Guida Turistica Napoli

Con “riEvoluzione conTradizione” si racconterà, attraverso installazioni, sculture, immagini dei loro lavori, la storia già scritta e da scrivere dei Fratelli Scuotto, gli “artisti -artefici” napoletani. Le istantanee del fotografo Sergio Siano sono i fotogrammi di un film che inizia negli anni Novanta e che evolve con sempre più coraggiosa ed inedita modernità nel panorama artistico napoletano e non solo.

Quattro rendez-vous artistici per un itinerario onirico e visionario, dove la tradizione si fonde con la contemporaneità, la maschera con il reale, le ombre con la luce. La formula Scu8 si traduce nelle tematiche e nei personaggi, nelle atmosfere e nei materiali, nelle tradizioni e nelle contraddizioni che ispirano, giorno dopo giorno, il lavoro del collettivo artistico. Non dunque un viaggio “storico”, ma un’immersione “atemporale” nel sogno e nella realtà, nel sacro e nel profano tra diavoli e santi,in quella compresenza degli opposti che restituisce le irrisolte inquietudini umane.

Si inizia giovedì 31 marzo alle ore 19.00 mettendo in scena il “Diavolo” e la sua parodia. Con “Fra Diavoli” gli Scuotto intendono rendere palese, esorcizzandola, la figura del demonio. Chi è il diavolo? Dove si nasconde? Come agisce? Sarà il demonio che non si vede ad essere il più pericoloso?

Il diavolo richiama le figure paniche ed i satiri di cui è intrisa la radice culturale greca del sud ed in particolare di Napoli. Eppure i demoni continuano ad avere un impatto estremamente contemporaneo e globale. Ogni “angelo caduto” messo in scena dagli Scuotto ha un nome ed una storia che sintetizzano i mali del nostro tempo. C’è il demone narciso,il vecchio ingannatore,il falso profeta,il sensuale e lussurioso seduttore. Tutte le figure non esaltano il male ma sono segnali di pericolo.

Un caffè letterario e uno dei punti di ritrovo del by night napoletano: non è un caso la scelta delle location della mostra. Lontani di gran lunga dai templi in cui si “celebra” l’arte a Napoli, le opere degli Scu8 si offrono senza intermediari ed intermediazioni, in modo diretto ed immediato. L’arte contamina il quotidiano, arricchendolo, ispirandolo, in modo da turbare ed emozionare, sorprendere e far sorridere il visitatore che è cultore ma anche utente, cliente o casuale passante.

“Gli Scuotto aprono una crepa nelle attuali e ben note dinamiche del sistema “arte”– spiega Bruno La Mura per il Caffè Letterario Intra Moenia- Abbiamo chiesto loro di esporre in luoghi non convenzionali come Intra Moenia e Galleria 19 perché intendiamo incentivare e sostenere un’idea di artisti, artigiani, opere, concezioni ed intraprendenza che gli Scuotto rappresentano perfettamente. Napoli è piena di espressioni artistiche che vivono fuori dai “palazzi”e che vengono ignorate da chi regge le fila delle dinamiche di questo settore. Gli Scuotto infettano questo sistema, fondendo la tradizione con la contemporaneità, vivendo di arte senza elemosinare presenze, critiche, mostre, e irrompono nel mercato guidati solo dal loro talento e dalla loro passione. Ed è questo virus che vogliamo alimentare e far espandere”.

I Fratelli Scuotto si stagliano, dunque, come una vera e propria eccezione in questo panorama, ripristinando l’idea della bottega d’arte, in un’accezione moderna ed intelligente che è la ricchezza ed il valore aggiunto degli “artisti – artefici” del centro storico napoletano. Gli Scu8 “pensano” e “fanno”, elaborano e operano, senza delegare nessuno alla realizzazione dei loro lavori. Non c’è distacco tra l’artista e l’artigiano: la bottega è il rivoluzionario luogo di creazione contemporanea, dove l’idea si fonde con la polvere, il sogno con i calchi, la visione con le mani.

I
rendez–vous
di
“…riEvoluzione conTradizione…”

Giovedì 7 aprile – ore 19.00: “Favola e maschera”
Caffè Letterario Intra Moenia
Pulcinella vaga nell’universo visionario delle favole classiche. Ansioso, cerca la sua maschera rubata, inseguendo un dispettoso ladro. Gli Scuotto ripropongono e stravolgono fiabe senza tempo come “Pollicino”, “Aladino”, Barbablu” e “Il gatto con gli stivali”.

Giovedì 14 aprile – ore 19.00: “Mistero”
Caffè Letterario Intra Moenia
Mistero per eccellenza, la natività viene riproposta dagli Scuotto ponendo domande e avanzando provocazioni. Non ci sono certezze e le presenze canoniche della rappresentazione sacra lasciano il posto a scomode assenze. Gli Scuotto aggiungono nel tradizionale presepe nuove figure e nuovi personaggi, ispirandosi all’immaginario favolistico meridionale e alla necessità di esaltare la multi- etnicità e l’apertura della sacra rappresentazione. “Mamma Sirena”, “Zi Michele e le mele annurche”, “Ciruzzo o’ niro”, guappi e femminelli, appestati e donne nude: antiche assenze che diventano contemporanee e necessarie presenze.

Giovedì 21 aprile – ore 19.00: Finissage “riEvoluzione conTradizione”
Galleria 19
Sperimentazione, contemporaneità, rielaborazione: gli Scu8 rivoluzionano un sistema, tradendo il passato, ingannando il presente, giocando con il futuro.

Contatti e informazioni:
Caffè Letterario Intra Moenia
Piazza Bellini 70 – Napoli
info@intramoenia.it

Giovedì 7 aprile 2011 alle ore 18.30 si inaugura alla Fabbrica delle Arti di Napoli la mostra Hearts & Crafts – Questioni di cuore dell’artista Mojmir Ježek, una declinazione dei suoi inconfondibili cuori, con marchio Fabbrica delle Arti, nelle manifatture d’eccellenza del cioccolato e del settore tessile.

Una collezione di cuori, tra i quali figura anche un’esclusiva opera ideata dall’artista in occasione dei 150 anni dell’Unità d’Italia, realizzati dalla cioccolateria artigianale napoletana Dolce Idea di Gennaro Bottone, sarà presente presso la Fabbrica delle Arti e i punti vendita Dolce Idea insieme a una pubblicazione con 12 stampe delle opere di Ježek accompagnate da testi di Natalia Aspesi ed Erri De Luca tratti dal libro Batticuori (2001, Core edizioni). I cuori di Mojmir Ježek rappresentano un nuovo appuntamento per la costruzione del dialogo con le manifatture del cibo che Fabbrica delle Arti sta conducendo in collaborazione con Slow Food. «La poliedricità comunicativa e l’originalità dell’artista – afferma Giusi Laurino, direttore artistico di Fabbrica delle Arti – riescono con semplicità a raggiungere un pubblico attento alla qualità delle materie prime, creando sinergia tra un artigianato d’eccellenza e una rinnovata visione del disegno del cibo». «Il lavoro – sostiene Slow Food – mira a esaltare le produzioni gastronomiche e agroalimentari “buone, pulite e giuste” attraverso un food design creativo che diviene insieme simbolo di intelligenza emotiva e racconto dell’artigianato d’eccellenza campano».

Sarà presentata inoltre un’edizione di pouf dal titolo Cuore con marchio Fabbrica delle Arti realizzata da Raro Design e firmata da Mojmir Ježek. L’opera, che sviluppa il concetto di Yin e Yang in due varianti del rosso magenta, è accompagnata da un tavolo a forma di goccia in resina laccata.

Negli spazi della Galleria sarà presente un’esposizione di tempere su cartone e serigrafie di Ježek, rese famose dalla rubrica “Questioni di cuore” pubblicata settimanalmente su il Venerdì de la Repubblica.

Per l’intero periodo della mostra, alla Fabbrica delle Arti sarà anche proiettato un racconto fotografico di Mario Laporta che documenta l’intero percorso compiuto.

vernissage giovedì 7 aprile ore 18.30

Fabbrica delle Arti – Napoli
via Annibale de Gasperis, 24
Martedi-sabato 11 – 18
Ingresso libero

Il giardino della memoria è l’ultima monumentale opera di Anne e Patrick Poirier: è il progetto per una “necropoli contemporanea”, un cimitero come opera d’arte, ideato dagli artisti francesi per il comune di Gorgonzola (Milano). L’opera è quasi la sintesi delle ricerche dei Poirier che da circa quarant’anni riflettono sull’idea della memoria usando materiali e soluzioni formali eterogenee: calchi, erbarî, fotografie, installazioni architettoniche di utopiche città o di siti archeologici visitati durante numerosi viaggi. Gli artisti analizzano la fragilità della cultura e dell’arte minacciate dal trascorrere del tempo e dalla storia.

Il nuovo cimitero di Gorgonzola sarà un giardino, un nuovo Eden, felice luogo d’incontro tra i vivi e i loro cari, avrà una superficie di oltre 16.000 m2 , e sorgerà in un’area verde ancora più estesa; la planimetria avrà la forma di foglia di quercia, pianta che simboleggia forza ed eternità e le sue radici, il tronco e i rami rappresentano rispettivamente il mondo sotterraneo, il mondo terreno e il mondo ultraterreno. Le venature della foglia si trasformano nei viali del cimitero, ognuno dei quali avrà il nome di una costellazione; il viale principale, la Via Lattea, in asse con un anfiteatro per commemorazioni pubbliche, sarà costeggiato da piante e verdi colline che proteggeranno e occulteranno le sepolture disposte nelle zone più periferiche del monumento. Alcune di queste colline potranno diventare sepolture private, riprendendo la struttura degli antichi ipogei italici.

L’ingresso avrà la forma di un enorme arco di cerchio (12,50 x 81 metri) realizzato con tessere vitree di Murano di colore blu intervallate da inserti dorati per simboleggiare una spettacolare volta celeste. Il cancello d’entrata avrà la scritta dorata “anima mundi”. L’arco d’ingresso ospiterà, oltre ai luoghi logistici, anche una cappella a forma di nave rovesciata, candida struttura bianca con un taglio di luce sul soffitto; un luogo laico, senza simboli religiosi caratteristici, che oltre ad esplicare la cultura “illuminista” degli artisti, esprime il comune destino di tutti gli uomini davanti al mistero della morte. Sulle pareti vi saranno nomi dorati di pensatori che hanno meditato sul mistero divino.
Oltre alle sue qualità estetiche Il giardino della memoria soddisfa tutti i requisiti tecnici richiesti dalla committenza comunale, e potrà diventare un simbolo positivo di “edificio pubblico”.

In mostra al museo MADRE si potranno ammirare disegni, plastici e le planimetrie del monumento, oltre ad un’installazione site specific di neon blu che riprendono i nomi delle costellazioni che denominano i viali del giardino.
Conferenza stampa Sabato 2 aprile alle ore 12.00
Opening ore 19.00
Dalle 18.00 alle 22.00
Ritorna – one shot – l’aperitivo al primo piano del museo
finger food, videoproiezioni e ricerca musicale

MADRE Museo d’Arte Donna Regina
via Luigi Settembrini, 79 – 80139 Napoli
Orario: Lunedì, Mercoledì, Giovedì, Venerdì 10.30 – 14.30; Sabato e Domenica 10.30 – 14.30. Chiuso martedì. La biglietteria chiude un’ora prima.
Ingresso:
Intero € 7,00
Ridotto € 3,50
Speciale gruppi prenotati [max 30]: € 4,00
Gratuito: bambini fino a 6 anni
Gratuito per tutti il Lunedí

Continua con la “Crisi Politica” il progetto “L’arte in Crisi” nella FLY PROJECT della Galleria Franco Riccardo Artivisive. Il terzo appuntamento di questo percorso che si propone di indagare, attraverso una serie di mostre personali, tanto la “crisi” dell’arte stessa, quanto la “crisi” di altri ambiti per mezzo del linguaggio artistico, è per sabato 2 aprile 2011 alle ore 12.00 con “Happy Birthday Italy” di Ciro Vitale. Ancora una volta un’inaugurazione “mattutina” che permetta al pubblico di frequentare il Centro Antico e di riappropiarsene. Il progetto “L’arte in Crisi” è curato dal critico Stefano Taccone con il contributo del poeta Gabriele Frasca e del musicista Carlo Mormile.
Ciro Vitale, i cui lavori degli ultimi anni risultano strettamente improntati alla memoria di episodi di “resistenza”, la resistenza contro il nazifascismo in primis, approda ora ad un discorso sulla memoria di carattere più ampio, ma senza rinunciare ad un’impostazione “partigiana”. Alla dimensione celebrativa che per lo più contraddistingue i numerosi eventi che si susseguono in queste settimane in occasione dei 150 anni dell’unità d’Italia, egli oppone un ingegnoso dispositivo che induca lo spettatore a fare i conti con un passato non di rado scottante: una console con 150 interruttori rende possibile il controllo di altrettante lampadine corrispondenti agli anni che vanno dal 1861 al 2010; lo spettatore può decidere di modificare costantemente il loro assetto, ma compilando un modulo in cui palesa il motivo della sua scelta. L’installazione è accompagnata dal Soundscape del sound designer Mauro Lupone, un flusso sonoro dal quale emergono voci e rimandi alla Storia d’Italia.
Inaugurazione: Sabato 2 aprile 2011 ore 12.00

Galleria Franco Riccardo Artivisive
Piazzetta Nilo, 7 (II piano) – Napoli
Visitabile dal lunedì al venerdì ore 11-20

La galleria PrimoPiano è lieta di presentare la doppia personale dei fotografi/artisti Massimo Pastore e Luigi Grassi con la partecipazione di Antonella Raio (scultura), in un progetto curatoriale di Antonio Maiorino. Commento musicale originale composto da Mario Petracca.

Accade, raramente, che un comune sentire si trasformi in Manifesto latente – meraviglioso ossimoro – che ci fa rilevare una linea continua tra artisti solo apparentemente distanti per formazione, età o mezzi espressivi. Questi artisti nuovi rompono sovente la tensione epica stabilendo una distanza critica nel rapporto con la ‘storia’ e svelando la verità della finzione narrativa. Qualcosa d’impalpabile sfugge, elementi magici che, sebbene descritti realisticamente, producono uno straniamento nei destinatari. Definiti neorealisti magici poiché giocano apertamente con la realtà ben consapevoli di un’impossibilità di compiutezza o totalità, rinunciando all’organicità, all’arbitrarietà del realismo.

La contemporaneità di diversi protagonisti e delle loro umanità attraverso la performance solipsistica di Pastore nelle opere fotografiche Bianco – Cold Landscapes, ci riportano ad un parallelismo assurdo e casuale, con probabili punti di incontro che solcano la stessa traccia dell’assurdo e del volutamente reale. Un pendolarismo temporale ci conduce a personaggi che vivono o non vivono più, che non avrebbero mai potuto contemporaneamente essere in quel luogo. Sebbene nelle storie esposte ci siano indubbie relazioni tra i personaggi esse scompaiono trasformando il reale in una serie di monadi e di punti di vista. I soggetti sono lo spazio stesso. Con la soppressione del tempo oggettivo e traghettando i personaggi all’interno della psiche il reale si espone in maniera allucinata e bianca dove l’unico vero ordine è quello analogico del bianco e delle vesti (o di un’unica veste uguale per tutti). Il continuo sdoppiamento del soggetto è evidentemente non spiegabile oppure si delinea come onirica ossessione o ancora come analisi psicologica. Probabile sia dissociazione di un’anima.

Lo sdoppiamento attraversa anche l’opera di Luigi Grassi, L’estate, forse. Un titolo tutto letterario che è l’incipit di un attraversamento psicologico del rapporto con il padre. Un’indagine che attinge esplicitamente da un’elaborazione di punti di vista che si lasciano condurre dalla parola. Ancora una volta si farà appello al realismo magico kafkiano, all’inestinguibile fuoco de’ La Metamorfosi dove il padre diviene figlio e il figlio si trasforma in padre in una continua dualità che Grassi sente propria. La tensione nelle foto di Grassi non è mai data dall’esposizione del tormento, il conflitto si dirada con magica impalpabile eleganza. Nello stesso titolo il pendolarismo temporale, l’impossibilità di narrare in maniera cronologica, l’incapacità di definire una stagione nella sua pienezza solare.
Primo Piano Home Photo Gallery
via Foria, 118 – Napoli
Visiting: martedì-venerdì dalle 15:30 alle 19 – sabato e domenica su appuntamento
Ingresso libero

La mostra è strutturata sulla domanda “Quale futuro ci riserva la realtà che viviamo”?.
Da questa incognita nasce il presente progetto di ricerca che ha l’obiettivo di stimolare nell’osservatore, riflessioni su alcuni aspetti sociali per i quali vanno approfondite le conoscenze e individuate cause e necessità di cambiamenti o miglioramenti per un futuro migliore. Le opere oggetto della ricerca, sono state create con la fusione tra figurativo, concettuale e astratto geometrico. I temi trattati affrontano la realtà contemporanea con figurativo e astratto intesi come fusione tra sentimento e progetto in un unico desiderio verso qualcosa che sta svanendo e qualcosa che deve ancora arrivare. Una pittura fra la perdita e l’attesa.
Inaugurazione mercoledì 6 aprile 2011 ore 17.00
Museo Civico di Castel Nuovo
Antisala dei Baroni
P.zza Municipio – Napoli
Dal 6 al 18 aprile 2011
dal lunedì al sabato, dalle ore 9 alle 19

La Blindarte contemporanea è lieta di annunciare la seconda personale in galleria dell’artista newyorkese Adam Cvijanovic. La mostra “Prophecy in a dead language” sarà inaugurata il 24 marzo 2011 dalle ore 19, e proseguirà fino al 6 maggio.

Considerato tra i pittori figurativi più interessanti della scena artistica contemporanea newyorkese, Adam Cvijanovic presenta nuove opere realizzate appositamente per lo spazio napoletano con la famosa tecnica, ispirata agli affreschi rinascimentali, dei portable murales (“affreschi movibili”). I portable murales sono dipinti realizzati su carta tyvek ed applicati direttamente a parete in modo da creare installazioni con la pittura che coinvolgono gli interi ambienti espositivi e che poi possono essere facilmente rimossi ed applicati altrove.

La mostra trae spunto dalla celebre Sibilla Cumana, probabilmente la più importante tra le Sibille, sacerdotessa di Apollo e figura profetica dell’antica Roma, la cui sede è stata identificata in una grotta nelle vicinanze dell’antica città di Cuma, l’antro di cui Virgilio parla nell’Eneide. I suoi libri ebbero un’enorme rilevanza nella religione romana arcaica, tanto da essere consultati esclusivamente nei momenti di estrema necessità e per sciogliere enigmi che riguardavano le decisioni più importanti. Furono portati a Roma ai tempi di Tarquinio Prisco e a lungo custoditi, dapprima nel tempio di Giove Capitolino, e poi sul colle Palatino, infine furono bruciati dal generale romano Silicone nel 405 d.c. .
In realtà nella mostra non c’è uno specifico riferimento alla Sibilla o alla celebre immagine dell’antro cumano, ma un più generico riferimento all’idea di profezia, cui la nostra cultura ricollega inevitabilmente l’immagine della Sacerdotessa di Cuma.

Da sempre affascinato dai resti e dalle rovine simbolo della decadenza della cultura contemporanea americana, Adam Cvijanovic, seguendo la convinzione del ciclico ripetersi degli eventi nella storia, in questa mostra si spinge più indietro nel tempo riproducendo, probabilmente non senza una vena critica, ruderi risalenti all’epoca dell’antica Roma nello stato di abbandono in cui oggi si trovano.
Nel primo ambiente espositivo della galleria sono infatti applicati al centro delle quattro pareti della sala altrettanti affreschi movibili che riproducono quattro diversi ruderi di ingressi, tutti riconducibili all’epoca romana, ma ciascun ad un periodo differente, per la cui realizzazione l’artista si ispira alle rovine di Leptis Magna (oggi nei pressi di Al Khums in Libia).
I quattro passaggi, installati a parete come i quattro punti cardinali della bussola, si presentano dunque come possibili vie di fuga, oltre le quali si scorgono paesaggi differenti che conducono verso destinazioni sconosciute ed incerte.
Il luogo ricreato è dunque profetico, in qualche modo magico, senza tempo, come senza tempo sono le rovine che lo caratterizzano e pongono l’enigma della scelta.
Appesa al soffitto, al centro dell’ambiente, in modo da nascondere parzialmente la visione dei quattro passaggi, vi è una grande installazione dalla forma di una doppia piramide con sei facce esagonali, ricoperta di dipinti che ritraggono il mare. Come nelle leggende di romana memoria, ecco il marinaio sulla sua imbarcazione alle prese con l’indovino e con il suo destino. Davanti ai suoi occhi le rovine e la profezia consentono uno sguardo velato di una differente percezione del tempo.
La stessa tecnica utilizzata per le opere a parete crea con l’ambiente uno stretto rapporto architettonico. E se le rovine sono caratterizzate dalla permanenza nel tempo, la movibilità degli affreschi riporta l’attenzione sulla questione temporale e sulla transitorietà delle vicende contemporanee.

Nel secondo ambiente espositivo trova spazio un’altra imponente opera a parete: la ruota della fortuna. L’artista riproduce le rovine di una grande lapide testuale romana a forma di ruota, che è stata nel tempo più volte mal restaurata, ed appare oggi come l’insieme di diversi pezzi di marmo rotti in cui le iscrizioni, che riproducono banali aforismi in latino, risultano interrotte dalle rotture al punto di non essere più leggibili.
Nella stessa stanza altri dipinti su tyvek a parete riproducono alcuni animali divinatori. Altri dipinti raffigurano Sibilla/Beatrice e Virgilio e Dante nella grotta, le cui immagini sono tratte da Inferno, il film muto italiano del 1911 della Milano Films e diretto da Francesco Bertolini, Giuseppe de Liguoro e Adolfo Padovan, che narra con fedeltà la prima cantica della Divina Commedia. Altri dipinti riproducono diverse immagini che si ricollegano ai miti profetici come quelle degli affluenti che si incontrano dando origine ai fiumi ed il campo di papaveri, la cui somministrazione in passato era adoperata per causare sogni profetici.

Adam Cvijanovic e’ nato nel 1960 a Cambridge nel Massachusetts, Usa, vive e lavora a New York. E’ stato invitato a creare opere site-specific per la recente New Orleans Biennial, Prospect 1, e precedentemente per la Liverpool Biennial alla Tate Liverpool ha esposto in numerosi musei e gallerie in America ed in Europa. Ha avuto mostre personali all’Ucla Hammer Museum, Los Angeles, nel 2005; la mostra con Peter Garfield al Mass MoCA, Massachusetts nel 2007. I suoi lavori sono stati esposti tra l’altro al P.S. 1 Contemporary Art Centre di New York ed inclusi nella mostra Usa Today, curata dalla collezione di Charles Saatchi alla Royal Academy a Londra e allo State Hermitage Museum di St. Pietroburgo, Russia. Maggiori informazioni sono disponibili sul sito della galleria.
Opening 24 marzo 2011, ore 19

Blindarte nuova sede
via Caio Duilio, 10 – Napoli
Orari d’apertura
Lunedì – Venerdì 9.00-13.20 / 15.00-18.20
Sabato 9.00-13.20
ingresso libero

Dal 19 marzo al 24 aprile 2011 il CAM_Contemporary Art Museum di Casoria (NA), spazio alternativo e di ricerca, presenta Far West, la nuova pungente mostra, a cura di Antonio Manfredi, che volge verso un’analisi sociale in bilico tra ironia e oggettività. Il Far West è la terra di frontiera, la periferia napoletana o il centro urbano di una delle tante metropoli internazionali, sobborgo del mondo e realtà a sé, dove il vissuto diventa esperienza esclusiva. Il Far West rappresenta anche il prototipo di conquista faticata, di una nuova terra promessa che, a dispetto di condizioni ambientali e sociali non propizie, esibisce una forte vivacità culturale. Dall’arte di arrangiarsi all’arte contemporanea che strizza l’occhio alla solitudine, ma anche alla delicata bellezza di una vita vissuta ai margini. Nella mostra Far West il degrado diventa ispirazione per chi sceglie di cogliere il fascino della terra di confine per trasporlo in forma d’arte. Il Far West è anche il luogo dove i ruoli si ribaltano, dove lo sceriffo, tutore della legge si confonde con i banditi, dove le “madame” influenzano la vita cittadina dai bordelli del potere, dove la donna oggetto tiene sotto ricatto con un’arma, l’ordine costituito come nell’installazione di Nicola Mette, dai chiari riferimenti al momento politico attuale. È proprio la mancanza di leggi in una terra estrema che spinge all’azione performativa Sebastiano Deva. Dai manifesti pubblicitari stradali affissi lungo le vie di Napoli parte la richiesta di sottoscrivere una proposta di legge: la pena di morte per i camorristi. Deva arriva all’atto finale attraverso un linguaggio diretto e perentorio per poi rimandare ad un sito web (http://www.far-west.eu) che svela il progetto artistico che si conclude al CAM. Una provocazione forte e determinata.

L’indagine sulle periferie metropolitane viaggia, nella mostra Far West, anche attraverso i testi di denuncia del Rock di Provincia dei Letti sfatti e Patrizio Trampetti. Nella canzone corale su Napoli, “Questa città”, scritta con la collaborazione di Erri De Luca (voce narrante, protagonista avatar del video, realizzato e prodotto da Poliovale, e autore di uno dei racconti del libro (ed. Testepiene)che accompagna la canzone, presentati in anteprima al CAM), si delinea un paesaggio di sofferenza e di riscatto. Lo stesso affrancamento a cui aspira “Vincenzo”, il tenero protagonista del film di Alessandro Falco (premiato a Barcellona e proiettato al CAM per la prima volta in Italia), la storia di un ragazzotto di provincia che, cavalcando il proprio motorino, sogna la fuga per sottrarsi al degrado opprimente dell’hinterland napoletano. Diversa, ma altrettanto significativa, è l’evasione silenziosa del barbone di Pozzuoli nella video-installazione proposta da Lello Lopez, il cui racconto senza parole ci immerge in un universo onirico che nasce dall’abbandono e dal degrado. La ricerca di un rifugio, di uno spazio personale che sia ristoro dell’anima dal difficile Far West, appare nella poetica foto del brasiliano Salvino Campos, in cui la religiosità è l’unico mezzo per lenire la sofferenza.

Non manca ovviamente in mostra un’accezione ironica della descrizione del contesto urbano e dei personaggi che lo popolano. La tagliente e polemica installazione del duo artistico Di Guida&Vargas si immette sulla strada della sarcastica consapevolezza della situazione sociale, mentre un’altra video-installazione mostra le immagini di indiani su impennanti cavalli contemporanei e di uno sceriffo che nel suo Far West ha trovato la propria identità, costruendosi un ranch in legno nell’aiuola del Parco Verde di Caivano in provincia di Napoli. Ma qual è il nostro ruolo? Quale quello dei visitatori del museo? Sceriffo o cowboy? L’opera di Peppe Esposito, gioca sull’identificazione, attraverso lo specchio, con l’immagine del pistolero, e pone una domanda sugli atti realmente legali che compiamo. L’uomo riflesso, lo sceriffo, agisce sempre in modo corretto o inconsapevolmente rimane impigliato nella rete dell’illegalità?

Pubblico sfoggio di spazzatura e sfacciato tripudio di avvenenza, il territorio partenopeo viene osservato attraverso il lavoro dei fotografi Luciano Ferrara e del gruppo Wine&Foto che mettono in mostra le contraddizioni di un’area talvolta abbandonata a se stessa ma che non si rassegna ai propri mali.
Casoria International Contemporary Art Museum
via Duca D’Aosta, 63 – Casoria (NA)
Martedì-mercoledì-giovedì-domenica 10.00/13.00 sabato 17.00/20.00
Ingresso 3 euro

La galleria Alfonso Artiaco è lieta di annunciare l’inaugurazione della mostra personale di Robert Barry TROUBLESOME martedì 22 marzo alle ore 19.30, in presenza dell’artista.
Tra i protagonisti dell’Arte Concettuale Americana, Robert Barry (nato nel 1936) ha sempre basato il suo lavoro sull’esplorazione dello spazio e sulla relazione dello spazio con gli oggetti, con il tempo, e tra l’artista e lo spettatore. Il concetto che l’idea di un’opera è importante tanto quanto l’oggetto d’arte reale, accompagna la sua sperimentazione negli anni intessendo frequenti connessioni tra lo spazio e il piano, il positivo ed il negativo, l’assenza e la presenza della forma e i modi nei quali lo spettatore dialoga con gli spazi vuoti. Dal 1967 questo percorso spinge costantemente in avanti la sua ricerca verso i limiti dell’immaterialità e dell’invisibilità. Nonostante Robert Barry inizi dalla pittura, i mezzi utilizzati non sono sempre stati ortodossi o tangibili: dal magnetismo, ai pensieri, dai suoni ultrasonici ai gas inerti.
Le ‘parole’, però, hanno sempre fatto parte della sua estetica considerandole evocazione di uno stato mentale del flusso continuo dei pensieri e della contemplazione, e strumento di dichiarazione allo spettatore di un’intangibilità temporale e psichica. Degli spazi di Piazza dei Martiri, Barry (per la sua seconda personale) utilizzerà le pareti ed il pavimento. Un grande floor- piece nero, TROUBLESOME appunto, sarà collocato come ‘invito’ ad entrare nella spazialità della galleria. Le pareti anch’esse saranno coinvolte da un’installazione costituita da parole color argento. L’esposizione sarà accompagnata, anche, da lavori su tela.
I lavori di Robert Barry fanno parte delle collezioni permanenti dei maggiori musei e fondazioni del mondo inclusi Museum of Modern Art, New York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Musée d’Orsay, Parigi; Whitney Museum of American Art, New York; Musée National D’Art Moderne, Centre George Pompidou, Parigi; Museum of Contemporary Art, Los Angeles e la National Gallery of Art, Washington, DC.
Inaugurazione: Martedì 22 Marzo alle 19,30

Alfonso Artiaco Project Space
Piazza dei Martiri, 58 – Napoli
Orario: lun-sab 10-13.30 16-20
ingresso libero

Quella che credevamo una crisi attuale, la stretta che tutti i paesi occidentali sentono alla gola e che fornisce da un paio di anni a questa parte un alibi consolidato dietro cui nascondere inefficienze di varia natura, in realtà sembra aver radici non proprio contemporanee. Nel loro successo più grande, God Save The Queen, i Sex Pistols gridavano allarmati che non vedevano futuro per il loro Paese, che davanti a loro c’era solo vuoto. Ebbene, il pericolo che fiutavano i punk inglesi alla fine degli anni settanta si presenta in tutta la sua mole nel primo decennio del duemila, quando la crisi economica impone freni in qualsiasi ambito, specialmente, soprattutto alla cultura.
Una riflessione in merito codurrebbe a diverse conclusioni, nessuna delle quali particolarmente confortante: l’esercizio di pensiero, l’allenamento cerebrale rende l’uomo libero, capace di decidere, di capire cos’è meglio per sè. Crearsi una dimensione di autonomia, uno spazio scevro da qualsiasi incidenza esterna, o comunque tentare di automunirsi della capacità di comprendere l’andamento delle cose è un diritto fondamentale per chiunque aspiri ad una vita civile.
Si capisce dunque la sensazione di vuoto sotto ai piedi quando la materia prima, la possibilità di approcciare alla cultura, di servirsene, viene a mancare con la giustificazione che non ci sono soldi. Largo Baracche porta avanti questa riflessione con GOD SAVE THE CULTURE, unendosi ai Sex Pistols che furono e a tutto quelli che oggi vogliono proteggere il diritto di fare cultura, di prender parte al grande processo creativo e intellettivo che la società odierna sembra voler mettere pericolosamente da parte. Circa venti gli artisti che interverranno al progetto per una grande collettiva che oltre ad essere un segnale forte di protesta, vuole anche fare da contraltare positivo allo sconforto imperante.
La mattina del 16 marzo, alla sala conferenze In Campus, Largo Baracche chiamerà a raccolta i suoi protetti per una conferenza – dibattito che farà da apripista alla mostra che si terrà venerdì 18.

Ernesto Tatafiore, Elio Varuna, Carla Mura, Franco Losvizzero, Baldo Diodato, Arturo Ianniello, Maria Giovanna Ambrosone, Corrado Lamattina, Blue and Joy, Fabolouskhate, Nino Longobardi, Pasquale Napolitano sono solo alcuni dei creativi chiamati a dire la loro.
Moderatore del dibattito, Mario Franco.
L’appuntamento è per mercoledì 16 marzo 2011 ore 12, nella sala conferenze di In Campus e successivamente per venerdi 18 marzo, per la mostra.

Inaugurazione 18 marzo ore 19

Largo Baracche
piazza Baracche – Napoli
Lun-ven 12.30-18 30
Ingresso libero

Sono aperte le iscrizioni per la terza edizione del Festival del Cortometraggio “I Corti sul Lettino
- Cinema e Psicoanalisi”, a Napoli, diretto dallo psichiatra e critico cinematografico Ignazio
Senatore ed organizzato da Pietro Pizzimento. Si rinnova un appuntamento che in breve tempo è
diventato un evento nazionale tra i più ambiti per i filmaker italiani e stranieri. Nelle due precedenti
edizioni, le giurie, presiedute dai registi Roberto Faenza e Giuseppe Piccioni, avevano selezionato e
premiato il migliore cortometraggio, regista, sceneggiatore, attore protagonista, attrice protagonista,
documentario e colonna sonora. Con questa nuova edizione saranno introdotte ben quattro novità:
il premio del pubblico, che avrà la possibilità di votare il corto preferito, quello per il miglior corto
d’animazione, il miglior corto straniero – con i sottotoli in italiano – e la migliore fotografia. Per
regolamento ogni opera deve avere una durata massima di 60 minuti, inclusi i titoli di testa e di
coda e sono ammessi anche i cortometraggi già presentati o già premiati in altri concorsi.
L’iscrizione al 3° Festival del Cortometraggio “I Corti
Psicoanalisi” è gratuita e la data di scadenza è il 31 maggio 2011.
L’evento ad ingresso gratuito si svolgerà il 5 e 6 settembre 2011 dalle ore 21.00 alle
24.00, nell’ambito della rassegna “accordi @ DISACCORDI” – XII Festival del Cinema all’Aperto,
presso il Parco del Poggio a Napoli.
I partecipanti dovranno inviare alla segreteria del concorso una copia digitale del cortometraggio e
la scheda di adesione al bando che si può scaricare dal sito www.cinemaepsicoanalisi.com
Informazioni : igsenat@tin.it

Una folla di donne sta per occupare i nobili saloni di Palazzo Zevallos Stigliano, su via Toledo, nel cuore di Napoli.
Sono madri di famiglia, mogli ma anche bellissime etére, colte “cortigiane”, o le donne del mito, Amazzoni e Menadi.

Racconteranno di come, tra V e il III secolo avanti Cristo, in Grecia e nella Magna Grecia vivevano, amavano, sognavano le donne. Il tutto visto però con gli occhi degli uomini.
Sono infatti solo ed esclusivamente maschi i ceramisti che realizzano e soprattutto dipingono le meravigliose ceramiche che Intesa Sanpaolo espone dal 29 settembre al 3 aprile 2011, nella propria sede espositiva a Palazzo Zevallos Stigliano, in occasione della mostra Le ore della donna. Storie e immagini nella collezione di ceramiche attiche e magnogreche di Intesa Sanpaolo.
L’eccezione, l’unica nota, è quella documentata in una kalpis attribuita al “Pittore di Leningrado”. Il pezzo illustra l’interno di una bottega di ceramisti e mostra al lavoro proprio una donna intenta a decorare un vaso.

Tutte le ceramiche esposte provengono dalla collezione Intesa Sanpaolo, una tra le più importanti al mondo, ricca di ben 522 reperti provenienti da Ruvo di Puglia, importante centro dell’antica Apulia.

La mostra è la prima del ciclo espositivo intitolato Il Tempo dell’Antico. Pagine di archeologia e cultura destinato a svelare, attraverso percorsi tematici di cui questa mostra è il primo esempio, questa magnifica collezione. Inaugurata un anno fa alle Gallerie di Palazzo Leoni Montanari, sede museale di Intesa Sanpaolo a Vicenza, l’esposizione si trasferisce oggi a Napoli e presenta al pubblico partenopeo circa trenta ceramiche selezionate dalla raccolta archeologica della Banca.

Ospiti speciali dell’esposizione napoletana sono due vasi concessi in prestito dal Museo Archeologico Nazionale di Napoli, anch’essi provenienti, come le ceramiche di Intesa Sanpaolo, dalle tombe di Ruvo. Si tratta di due esemplari straordinari, per la raffinatezza di esecuzione e per le storie del mito narrate, che vedono protagoniste due donne, Medea e Cassandra, il cui ruolo e le cui vicende appaiono in antitesi: donna innamorata, maga e madre crudele le prima, sacerdotessa vergine la seconda, entrambe comunque segnate da un destino cruento e violento.
Il rapporto con il Museo Archeologico Nazionale di Napoli avrà un seguito oltre a questa mostra: alcuni vasi della preziosa collezione del Museo saranno restaurati nell’ambito del progetto Restituzioni 2013, il programma di restauri che vede Intesa Sanpaolo al fianco delle Soprintendenza italiane nella salvaguardia del patrimonio artistico del Paese.

A Palazzo Zavallos Stigliano le donne dell’antichità dialogheranno idealmente con altre donne, a cominciare da Orsola, la santa il cui martirio è stato raffigurato da Caravaggio nella splendida tela qui esposta, capolavoro delle collezioni della Banca.
In concomitanza con la mostra sono previste attività legate al tema della mostra, quali conferenze e concerti nel salone del pubblico di Palazzo Zevallos Stigliano.
Inoltre saranno attivati laboratori didattici rivolti alle scuole e a tutti i visitatori della Galleria.
Galleria di Palazzo Zevallos Stigliano
via Toledo, 185 80132 Napoli
Orari: martedì – domenica, 10.00 – 18.00
Ingresso alla Mostra e alle Gallerie: euro 4,00 – ridotto euro 3,00
Ingresso libero per le scuole
Ingresso gratuito alla mostra riservato ai clienti del Gruppo Intesa Sanpaolo ogni prima domenica del mese.