Elementi primari della produzione di Borlenghi sono i papier collè, i cui frammenti si compongono in un caleidoscopio di colori e tessiture: carte di diverso peso e spessore si sovrappongono e si affiancano grazie alle erosioni, agli strappi ed alle partiture cromatiche dei singoli ritagli.

La carta si configura quindi come un elemento vivo, da manipolare e scalfire, fino a rivelarne l’essenza attraverso collage e piccole figure scultoree. La luce entra a far parte delle singole opere filtrando attraverso le superfici più assottigliate ed evidenziandone le differenti profondità di lettura.

Insieme alle potenzialità espressive della carta, l’artista ha esplorato il linguaggio come segno grafico, elaborando complessi cifrari e alfabeti visuali, dove lettere e numeri si dispongono in composizioni ritmiche giocose o simboliche. Allo stesso tempo, Borlenghi ha sempre coltivato con passione la pittura e, dopo un periodo di lavoro in Paraguay, ha realizzato tavole dai colori densi e pastosi, in cui luminosi grumi e virgole di acrilico si rincorrono su fondi neri.

L’arte ha accompagnato Arturo Borlenghi per tutta la vita e, nonostante le vicissitudini, o forse proprio a causa di esse, ha costituito un porto sicuro in cui rifugiarsi, un conforto e una consolazione, per se stesso e per coloro a cui era destinata.
Questa mostra vuole essere un tributo alla creatività dell’artista ed un omaggio alla forza dell’uomo.
Complesso Museale di Santa Chiara
via S. Chiara, 49/c (Monastero di S. Chiara) – Napoli
Orari di apertura: dal lunedì al sabato ore 9.30-17.30, domenica e festivi ore 10.00-14.30
Ingresso consentito fino a trenta minuti prima dell’orario di chiusura.
Biglietto intero 5 euro, ridotto 3,50

La mostra, dal titolo “La fotografia del Giappone (1860-1910). I capolavori” è realizzata in collaborazione con il Museo delle Culture di Lugano e Giunti Arte mostre musei e si avvale del patrocinio di Regione Campania, Provincia di Napoli e Fondazione Italia Giappone.

In Giappone, agli albori della storia della fotografia, la tecnica occidentale della stampa all’albumina si unì alla tradizionale abilità dei pittori locali, capaci di applicare il colore anche su piccolissime superfici, a volte con pennelli dotati di un solo pelo. I risultati artistici furono di sorprendente bellezza e i soggetti rappresentati risultarono così verosimili da non riuscire a distinguere,in alcuni casi, le opere dalle moderne fotografie a colori.

Le immagini – profondamente caratterizzate dalla ricerca di un’armonia sottile fra le cose: paesaggi, edifici, architetture d’interni, scene di vita quotidiana, ritratti di uomini e donne – erano destinate prevalentemente ai viaggiatori stranieri e offrivano rappresentazioni del paesaggio e della cultura giapponese con la funzione di produrre souvenir di viaggio e della memoria esotica.

Sono esposte le opere di alcuni grandi fotografi delle origini, primo fra tutti Felice Beato (1833 – 1907) che, immediatamente seguito da artisti giapponesi, diede vita a uno stile, chiamato Scuola di Yokohama. Il percorso espositivo, organizzato per sezioni, indaga la rappresentazione del paesaggio e la natura “educata” dalla cultura, il gusto dell’esotismo e il profondo rapporto tra la fotografia e le stampe dell’ukiyo-e. L’immagine della donna è colta nei molteplici aspetti della bellezza e della vita quotidiana, in casa, al lavoro nelle botteghe e nei campi, nei quartieri a luci rosse chiamati “città senza notte”. O ancora, attenta e curata è la proposta degli stereotipi dell’immagine maschile, dai samurai ai bonzi, dai lottatori di sumo a tutti gli interpreti quotidiani di una realtà ideale che, talvolta, declina anche verso l’«anormalità» e il capriccio.

La relazione fra il sacro e il profano viene esaminata attraverso una serie di fotografie che ritraggono le attività lavorative e altre scene di vita comune, i templi, le cerimonie e le feste. La mostra si snoda con le opere dei grandi interpreti della fotografia giapponese, come Kusakabe Kimbei, considerato da molti il più eccellente interprete della Scuola di Yokohama. L’esposizione è accompagnata da un catalogo a cura di Francesco Paolo Campione e Marco Fagioli edito GAmm Giunti, che affronta con il contributo di diversi specialisti i differenti aspetti della fotografia in Giappone.

In occasione della mostra l’Università degli Studi di Napoli L’Orientale ha organizzato un ciclo di conferenze a cura del professor Giorgio Amitrano, che si terranno ogni sabato mattina nella sala delle conferenze del museo per tutta la durata dell’esposizione.
Sabato 12 maggio ore 11
Silvana de Maio
(Università degli Studi di Napoli “L’Orientale”)
La città giapponese dall’epoca Meiji ai nostri giorni, tra continuità e nuovi inizi.

Sabato 19 maggio ore 11
Giorgio Amitrano
(Università degli Studi di Napoli “L’Orientale”)
La malinconia e la bellezza. Riflessioni sul sentire giapponese.

Sabato 26 maggio ore 11
Franco Mazzei
(Università degli Studi di Napoli “L’Orientale”)
Il Giappone dalla tradizione al postmoderno.

Si ringraziano per il sostegno: Provincia di Napoli, Metropolitana di Napoli, Cinepolis, Gootime srl, Kukai

Inaugurazione sabato 21 aprile ore 11

Villa Pignatelli – Casa della fotografia
via Riviera di Chiaia, 200 – Napoli
8.30-14.00; chiuso martedì
Ingresso 2 euro

Circa cinquanta opere, tra dipinti e grafiche, propongono il legame vivo e tangibile con i luoghi, che l’artista osserva con sensibilità, tentando di recuperare il proprio vissuto in una dimensione memoriale.
Porti, strade e case di Pozzuoli, dove Sangiovanni vive e lavora, analizzano la vita, talvolta resa fragile e debole dalla contemporaneità, attraverso il paesaggio vissuto come espressione della propria interiorità, ricco di sensazioni che passano dal quadro allo spettatore.

«La pittura di Mario Sangiovanni è severa, robusta, essenziale» scrive nel catalogo della mostra, Patrizia Di Maggio. «I volumi sono solidamente costruiti, racchiusi dalla linea di contorno evidente, dominante; il colore è spesso, corposo, applicato per stesure successive, con ampie pennellate».

«La coordinazione compositiva delle singole parti della realtà diventa l’insieme nella sua rappresentazione geometrico figurale» puntualizza Daniela Ricci. «I paesaggi di Sangiovanni, portando echi di un primitivismo essenziale ricco di valori, intendono anche sottolineare problematiche sociali e naturali per lottare contro l’ansia che la nostra società dei consumi ci impone …».
Una storia nella storia, dove il paesaggio riflette immagini reali fermate in un tempo indefinito, introspettivo, spaziando tra abitati urbani, fabbriche dismesse e ambienti solitari, specie all’alba o all’imbrunire, quando la sensibilità dell’artista coglie forme ed ombre suggestive ed eloquenti.

Palazzo Reale, Sala Dorica.
piazza Plebiscito, 1 Napoli
Orari: lun. – sab. ore 9 -19
Ingresso gratuito

Gli acquerelli furono eseguiti, a metà Ottocento, da Emanuele e Filippo Emilio Gin, padre e figlio, appartenenti ad una famiglia di origine francese, i Gin de Grenville, trasferitasi a Napoli ai primi dell’Ottocento, acquerellisti animati da un’autentica e comune passione per il costume e le uniformi dell’epoca.

La serie di acquerelli – esposti per la prima volta al Museo – è parte di una raccolta di oltre duemila ’figure’ -acquistate nel 1923 per la somma, allora considerevole, di 13.000 lire- che arricchì ulteriormente le collezioni del Museo di San Martino.

L’esercito piemontese che irrompe nel Regno delle Due Sicilie nel 1860, comandato dal generale Enrico Cialdini, è composta da circa 500 piccoli acquerelli sagomati: bersaglieri, lancieri e corazzieri a cavallo e le temute batterie Voloire, lo storico Reggimento piemontese di artiglieria che distrusse la cittadella di Gaeta.

I soldatini erano destinati ai giovani principi della Corte e stupiscono agli studiosi del costume militare per la raffinata tecnica miniaturistica e per la dovizia dei particolari che contraddistingue le divise dei vari corpi armati.

La straordinarietà degli acquerelli è determinata, oltre che dalla ricchezza dei dettagli e dalla vivacità dei colori, soprattutto dalla minuziosa caratterizzazione di soldati ed ufficiali, che fa di ogni soldatino un pezzo unico, con la sua personale fisionomia: dal folto battaglione dei bersaglieri, completo di fanfara, con l’ondeggiare al vento delle piume di gallo dei loro tipici cappelli agli elegantissimi Corazzieri del Re Umberto I, corpo speciale di Guardie Reali.

La mostra è accompagnata da una pubblicazione edita da Arte’m.

Sabato 14 aprile , ore 11.00, visita a cura della dott.ssa Rita Pastorelli

Inaugurazione della mostra giovedì 5 Aprile ore 17,00

Certosa e Museo di San Martino
Largo San Martino – Napoli
Orario: ore 8.30 – 19.30, mercoledì chiuso

La mostra, che inaugura il suo viaggio in Italia a Milano il prossimo marzo, vuole raccontare mezzo secolo di vita del Re del Terrore, dagli esordi a oggi, e per farlo si sviluppa in una serie di teche contenenti cimeli e diabolike memorabilia, arricchite da monitor con filmati d’epoca, carrellate di immagini, foto e disegni.

Saranno anche a disposizione del pubblico dei totem interattivi (touch screen) su cui sarà possibile sfogliare i fumetti e compiere ricerche a tema sui contenuti degli oltre settecento episodi di Diabolik pubblicati sino a oggi.

Inoltre su un grande schermo LCD si potrà vedere il documentario Le sorelle Diabolike dedicato alla vita e all’opera di Angela e Luciana Giussani.

Dopo Milano, la mostra sarà ospitata al PAN | Palazzo delle Arti Napoli dal 6 aprile al 6 maggio in occasione della XIV edizione di Napoli COMICON, per poi proseguire il suo viaggio nelle più importanti manifestazioni dedicate ai fumetti… e non solo.

Eccezionalmente e solo in occasione della tappa napoletana, alla mostra sarà abbinata un’esposizione dal titolo: DIABOLIK AL MURO che propone una panoramica dei manifesti, delle locandine, dei poster, delle stampe artistiche (e altro ancora) dedicate a Diabolik ed Eva Kant, realizzati per i più diversi scopi nell’arco dei cinquant’anni di storia dei personaggi.

PAN | Palazzo delle Arti Napoli dal 6 aprile al 2 maggio 2012.
via dei Mille 60 – 80121 Napoli
da lunedì a sabato ore 9.30-19.30
domenica e festivi ore 9.30-14.30
chiuso il martedì
Ingresso libero

METAMORPHICA

mostra personale di scultura dell’artista irpino Egidio Iovanna, nel Complesso di Sant’Antonio delle Monache a Portalba (detto “Sant’Antoniello”), sede della BRAU, Biblioteca di Ricerca di Area Umanistica. La mostra, patrocinata dalla BAPSAE., costituisce un evento culturale unico perché finora, nelle sedi dell’Ateneo Federico II, non è mai stata presentata un’esposizione di opere contemporanee, né c’è stata una manifestazione che unisse il mondo della ricerca scientifica con quello della ricerca artistica contemporanea.

La storica contrapposizione, temporale e storiografica, tra Archeologia e Storia dell’arte viene superata da una visione culturale più ampia: che, incentrandosi sullo studio della scultura ed in particolare sulla ricerca di materiali e tecniche della lavorazione dei marmi, consente di accostare sul piano teorico il passato archeologico al presente contemporaneo.

Una simile operazione è perciò del tutto singolare: sia sul piano prettamente espositivo – in quanto inaugura uno spazio di straordinario interesse, destinato alla conservazione e fruizione di un patrimonio librario universitario, ma disposto a fare da contenitore vergine di una mostra – sia su quello contestualmente critico. Si pone così in risalto l’incontro tra diverse Storie delle Arti: passate, presenti e (forse) future.

L’iniziativa espositiva, curata da Maria Rosaria di Virgilio e Riccardo Fusco, è stata presa dal Presidente del Polo umanistico della Federico II, Mario Rusciano, e avallata da un Comitato Scientifico, composto dai docenti dell’Università Federico II, Carlo Gasparri, ordinario di Archeologia Classica e Mariantonietta Picone, ordinario di Storia dell’arte contemporanea, e da Angela Tecce, direttore di Castel Sant’Elmo.

Nel bellissimo Chiostro, di recente restaurato, del Complesso monumentale di Portalba, tra le volte affrescate e le letture dei giovani studenti, verrà presentata una selezione di opere dello scultore Egidio Iovanna, in particolare quelle che hanno segnato alcune delle più importanti tappe del suo percorso artistico, dagli inizi della sua carriera sino ad oggi.

La mostra è intitolata METAMORPHICA, perché il suo filo conduttore è la coralità mutante delle forme stesse, che apparentemente sembrano nate dall’incontro di spunti differenti e tuttavia convergenti sul concetto di forma e mutazione, ricercate nella pietra che continua a vivere modificando il suo stato, sia pure con estrema lentezza.

Metamorphica sta per “oltre la forma”, incessante mutazione, ma anche metafisica aspirazione ad un “oltre”, in un continuo esistere della forma stessa, come di qualcosa che perennemente si rinnova, pur conservando quella apparente e monolitica impressione di eternità, quale solo la pietra può dare. Metamorfica è anche la natura geologica dei marmi utilizzati dall’artista, alcuni dei quali sono quelli che, in passato, circolavano nei confini dell’Impero romano. Le sue pietre – scrive l’archeologo Riccardo Fusco – sono le colorate irpine, in mezzo alle quali è stato allevato: la breccia grigio-dorata, il calcare verde-grigio e l’alabastro cotognino. Altre qualità policrome di diversa provenienza arricchiscono la scena: il verde Alpi, il bardiglio di Luni, il portoro ligure, il rosa Portogallo, l’azzurro Macauba e il marmo rosso, persiano o di Francia. Uno solo il marmo monocromo: il bianco luminescente statuario di Carrara.

La mostra personale di Egidio Iovanna raccoglie una selezione di 15 opere in pietra – realizzate dall’artista tra il 1998 al 2011- di varie dimensioni, di cui tre monumentali, ed una sezione bozzetti, adeguatamente collocata nella saletta attigua al porticato del chiostro, una volta Cappella annessa alla Chiesa di Sant’Antoniello delle Monache, con la presentazione di disegni, immagini, foto e video che documentano le varie fasi ideative ed esecutive.

L’esposizione napoletana delle sculture di Iovanna si completa con la presentazione di un’opera inedita, anch’essa monumentale – la scultura è alta più di tre metri – collocata nella Chiesa di Santa Maria la Nova, grazie alla collaborazione tra il Polo delle Scienze Umane e Sociali della Federico II, il Museo Arca e l’Associazione culturale Oltre il Chiostro.

All’interno della sala Bozzetti del Complesso di Sant’Antoniello sarà presentato inoltre, in esclusiva internazionale, il progetto preparatorio di un’altra grande opera monumentale che verrà realizzata con il contributo di artisti provenienti dai paesi del Mediterraneo. La Porta del Mare è l’ultimo progetto ambizioso dello scultore irpino, che ha incentrato la sua ricerca sul tema del dialogo continuo o ininterrotto tra i popoli .

BRAU, Biblioteca di Ricerca di Area Umanistica
c/ o Complesso di Sant’Antoniello a Portalba
piazza Bellini, 59-60, 80138 Napoli
Dal lunedì al giovedì, ore 9.00-16.45; venerdì ore 9.00-14.15

L’humus territoriale ha dato vita ad opere che affrontano tematiche incisive e taglienti come il fascismo, il nazismo, il ruolo della donna, il sesso, la religione, la politica, la camorra e l’immigrazione. Problematiche che il CAM ha preso in analisi in più di una mostra e che rendono questo museo fuori dai convenzionali circuiti dell’arte. Anche per questo motivo Campania Senses è l’alternativa. La presenza di innumerevoli installazioni rende Campania Senses un evento frizzante e coinvolgente. Il soggetto principale delle opere è il fruitore, tutta la mostra è costruita per sollecitare la percezione dello spettatore che diviene parte integrante del lavoro artistico: senza il fruitore, Campania Senses non esiste. Renato Barisani, uno dei maggiori maestri dell’arte napoletana, scomparso recentemente, aveva aderito a CAMPANIA SENSES. In mostra l’opera che l’artista aveva scelto per l’evento e un omaggio video di Tony Stefanucci e del figlio Fabio Barisani.

Il 30 settembre apre le porte all’iniziativa speciale del Padiglione Italia anche l’ex tabacchificio Centola di Pontecagnano Faiano con una ricca selezione di artisti visivi.

ELENCO ARTISTI CAMPANIA SENSES:
Afterall (Silvia Viola e Enzo Esposito), Renato Barisani, Betty Bee, Angela Barretta, Giovanni Calemma, Antonio De Filippis, Giuseppe De Marco, Giuseppe Desiato, Nicola Di Caprio/Superteste (special guest: Y Liver from Paris), Di Guida & Vargas, Peppe Esposito, Bruno Estevan, Eugenio Giliberti, Iabo, Rosaria Iazzetta, Barbara La Ragione, Pietro Lista, Lello Lopez, Antonello Matarazzo, Gianni Molaro, Giacomo Montanaro, Gloria Pastore, Ivan Piano, Walter Picardi/Sebastiano Deva, Oreste Pipolo, Raffo, Clara Rezzuti, Emilio Rizzo, Roxy in the Box, Antonio Serrapica, Franco Silvestro, Sound Barrier, Vincenzo Starnone, Tony Stefanucci, Paula Sunday, Enrico Tomaselli.
CAM Casoria Contemporary Art Museum
via Duca D’Aosta, 63 – Caspria NA
Orario: martedì-mercoledì-giovedì-venerdì-domenica ore 10.00/13.00 sabato ore 17.00/20.00
Ingresso: intero 3 euro, ridotto 2

All’evento interverrà il Console degli Stati Uniti d’America Pamela Caplis che visiterà lo spazio del CAM e Campania Senses, la Biennale della Campania attualmente in allestimento al museo. Il Console presiederà, insieme al direttore del CAM, Antonio Manfredi, ad un incontro, fortemente voluto dal Consolato Americano di Napoli, tra gli allievi delle classi del Liceo artistico Statale di Cardito e gli artisti Gary Paller, pittore californiano, e Marco Casentini, americano d’adozione, che, presenti in Italia su invito di Art1307, discuteranno con gli studenti del proprio lavoro artistico e delle differenze tra la produzione europea e quella statunitense

La Biennale Campania, iniziativa speciale del Padiglione Italia, dal titolo Campania Senses, a cura di Vittorio Sgarbi con il coordinamento di Antonio Manfredi e il patrocinio del Comune di Casoria, sarà visibile al CAM fino al 30 gennaio 2012. La sensorialità del titolo fa riferimento alle performance, alle installazioni, ai video, alla sound art e alla fotografia degli artisti campani in mostra che sollecitano con le proprie opere la partecipazione e il coinvolgimento del fruitore, parte integrante del lavoro artistico. Il CAM propone per l’occasione una speciale visita guidata a Campania Senses sabato 12 novembre alle ore 18.00 (info e prenotazioni 3930283349).

Programma
Dalle ore 10.30 alle 11.30
Incontro con gli artisti Gary Paller e Marco Casentini per le classi del Liceo Artistico Statale di Cardito.

Dalle ore 11.30 alle ore 12.00
Inaugurazione delle nuove acquisizioni di opere di artisti degli U.S.A.: Joe Davidson, Todd Williamson, Steve Burtch. Visita ad una parte di opere statunitensi facenti parte della collezione permanente.

Dalle ore 12.00 alle ore 13.00
Visita guidata alla mostra Campania Senses.

INFO:
CAM Casoria Via Duca D’Aosta 63° Casoria, Napoli Tel/Fax: +39 0817576167
casoriacontemporaryartmuseum@hotmail.com
Press office | P.R. Graziella Melania Geraci cam.pr@hotmail.it +39 3349399870

Opening: 10 novembre 2011, ore 10.30

CAM Casoria Contemporary Art Museum
via Duca D’Aosta 63 – Casoria
Orari: martedì / mercoledì / giovedì / domenica 10,00 -13,00
sabato 17.00 – 20.00
Ingresso 3 euro, ridotto 2

Ingresso gratuito